Contexto Histórico, Líneas Estéticas de Tres Géneros Cinematográficos de la Época Dorada de Hollywood

El Western

El western es uno de los géneros cinematográficos más marcados y populares de los estados unidos, donde tiene su cuna. La característica principal del genero western es su puesta en escena, sin embargo mas allá de esto, este genero recibe su nombre dado a que narra historias relacionadas con la conquista y colonización de los territorios occidentales de estados unidos. “El Western puede afirma su gran antigüedad cinematográfica, asalto y  robo de un tren (1904), de Edwin S. Porter, uno de los primeros films argumentales”(SERRALLER, José, pág.161, Panorama histórico del Cine), sin embargo dentro de este género se considera también la película de griffith El nacimiento de una nación (The Birth of a Nation, 1915).

El western es uno de los géneros mas antiguos, que sin lugar a dudas alcanzo su mayor esplendor en lo que se conoce hoy como la época dorada de Hollywood, y mas exactamente de los años treinta a los sesentas.  Además de tender a la estereotipación de sus personajes el western hizo de actores como John wayne y de directores como John ford iconos de este estilo de cine. como anteriormente se ha dicho, uno de los directores mas representativos de este genero es sin lugar a dudas Jonh ford, autor de películas como La diligencia (1939), El hombre que mato a Libery Valence(1962), Pasión de los fuertes o Centauros del desierto  (1946).

 El western ha sido usado no solo para mostrar historias de vaqueros, de un héroe justicioso, si no que a menudo el cine estadounidense  se sirvió de el para contar una narración épica del proceso de fundación de los Estados Unidos, en el cual el   protagonizada es un  héroes que encarnan algunos si no todos los valores cultura estadounidense, siempre con la premisa del destino manifiesto.

Las líneas estética principales del genero son  la utilización espacial de un contexto determinado. En ella se ven representadas las principales  fuentes económicas de la época como la ganadería, la minería y la agricultura.los principales actores o personajes son obviamente el héroe, el sheriff que dependiendo de la película puede llegar a ser el mismo héroe,  los bandidos, los indios y la heroína o la persona que debe se ayuda, rescatada y se encuentra en el camino del héroe. Además de esto los personajes principales, los buenos, son  ceñidos un modo de vida, una idiosincrasia, una ley. Los territorios representados son inhóspitos, inexplorados y áridos, lugares donde los forajidos encuentran fácilmente escondite, donde se pueden mover a sus anchas, tierras sin ley, donde habitan los pueblos indígenas (apaches, piel roja) que son los típicos anti héroes o mas bien los malos, los villanos.

Lo habitual en las representaciones cinematográficas de este género  son las confrontaciones entre los personajes que poco a poco y de manera gradual van adquiriendo un carácter psicológico. Lo que se enfrenta no es sola mente un personaje frente a su adversario, sino que se oponen lo bueno y lo malo, los ideales de la gente el hogar, la esperanza, la ganas de vivir en paz y de trabajar  frente a lo que represente todo lo contrario, el vandalismo, el salvajismo, lo vil, el que se aprovecha de los demás para hacer su vida mas cómoda y fácil. Además de esto es muy referente la forma de vestir de los personajes, los utensilios que usan ya sea un sombrero tejano, una pistolas, un chaleco, y  los caballos. A esto se suma los lugares típicos como las ciudades y su calle, los ranchos, diligencias.

Dentro del western podemos encontrar varias tendencias o subgéneros, tales como el llamado western crepuscular representado por Arthur Penn y su pelicula Pequeño gran hombre ; por Sam Peckinpah y  su película Mayor Dundee y Clint Eastwood y su película Sin Perdón. Existe también el spaghetti western, cuyo más notable director fue Sergio Leone y sus películas La muerte tenía un precio, El bueno, el feo y el malo, etc. y por ultimo el chili western realizado en México.

Filmografía:

·          Howard Hawks con sus ríos [Río Rojo (1948), Río Bravo(1959)]

·          William Wellman (Caravana de mujeres 1951)

·         Bud Boetticher (Los cautivos 1957)

·         Anthony Mann (Winchester 1973)

·         Raoul Walsh (Murieron con las botas puestas 1941)

·         Fred Zinnemann, con Solo ante el peligro (High Noon, 1952)

·         Nicholas Ray (Johnny Guitar 1954)

·         Delmer Daves (Flecha rota 1950)

·         King Vidor (Duelo al sol 1946)

·         George Stevens (Raíces profundas1953)

·         Robert Aldrich (Veracruz 1954)

Cine de Gangters

EL cine de gánsteres  es un genero cinematográfico tiene como tema principal el crimen organizado, sin embargo se diferencia de otros géneros ya que su tema central no es el delito, en esta corriente predomina la forma de ver del mismo criminal, es decir, su punto de vista personal. Fue un genero que por su temática enfrento muchas dificultades pues se decía que era un culto a la violencia y corría el riesgo permanente a ser censurado. Tuvo su etapa de formación y consolidación en los años 30. Las películas más emblemáticas de este genero fueron: El enemigo público (1931), de William A. Wellman y Los violentos años veinte, de Raoul Walsh (1939), ambas protagonizadas por James Cagney.

 El cine de gangsters se da como respuesta a los cambios sociales ocurridos  en la década de los 20 cuando se prohíbo el consumo de bebidas alcohólicas en USA, y que propicio el espacio perfecto para el crimen organizado. En la grandes ciudades norte americanas los gangsters, que eran delincuentes profesionales para quienes el crimen era una forma de vida, se fueron convirtiendo es seres tanto animados como temidos. Gracias a su forma de vida lograban ascender rápidamente en la sociedad, lo que era para ese entonces una parodia del sueño americano.

“Pero como se ha visto, el cine necesito mucho tiempo para atrapar la actualidad(…), el florecimiento del <> a principios de los años 30 fue extremadamente rápido.” (Coursodon, historia general de cine, pág. 241)La época dorada para cine de gangsters llegó entre 1929 y 1934 donde se calcula que se realizaron unas 250 películas que abordaban el tema. Sin embargo de todas ellas, únicamente  tres pueden considerarse obras destacadas del genero, las cuales son: Hampa dorada  (Little Caesar, 1931), de Mervyn LeRoy; El enemigo público(The Public Enemy, 1931), de William A. Wellman; y Scarface, el terror del hampa (Scarface, 1932), de Howard Hawks. Y al igual que el western este género también tiene actores como Edward G. Robinson, James Cagney o Paul Muni que se convirtieron en iconos del mismo.

 De forma Estética y prototipica podemos hablar que el cine de gangsters posee una serie de características, que se vuelven definitorias para el mismo. En primer lugar el protagonista de la historia debe ser un inmigrante (italiano en Hampa dorada y Scarface; irlandés en El enemigo público), un parsona que sueñe con salide la pobreza en que vive y alcanzar el. Paso seguido este personaje ingresa a una organización criminal y sus “virtudes” lo van ayudando a crecer en este mundo hasta alcanzar los puestos más altos. Es en este momento ese momento, en que el personaje comienza lenta mente a decaer, es allí cuando le empiezan a suceder un si numero de desgracias  como la muerte de un ser querido, el rechazo o la traición de la mujer amada , etc. Y primordialmente des pues de esto el personaje debe obligatoriamente morir, no quedara nunca tras las rejas y su muerte será cuando la policía lo acribille y mura por una bala del contrario, en este momento recibe su castigo pero también se consagra como héroe.

Como segundo aspecto veremos algunos personajes secundarios con algunas variaciones, sin embargo siempre dentro del rol como el mejor amigo que muere trágicamente, encontramos también a una mujer fatal, los detectives duros de cigarro en boca, auténticos precursores del antihéroe y la madre o la hermana que encarna los valores tradicionales de la sociedad.  Y como último recurso y no menos importante son las locaciones, es decir, el contexto de la historia que generalmente son espacios urbanos, de aspecto lúgubre y exuberante, los decorados se repiten como clichés en cada uno de ellos. También tenemos las salas de fiesta o salones de baile, los burdeles y los bares clandestinos.

 Después de la segunda gran guerra, el cien gangster decae completamente  y es rapidemente por el público que ve mayor cualidad en el cine negro, el cual no debe confundirse con el gangster aunque tengan ciertas similitudes. Mas adelante en los años 70 este genero alcanza nuevamente  una época de auge con obras como la trilogía de El padrino, de Fracis Ford  Coppola o Uno de los nuestros, de Martin Scorsese.

Filmografía:

·         Clark Gable, Manhattan Melodrama (Por sendas distintas, 1934)

·         William Keighley, G-Men (La patrulla implacable, 1935)

·         William Keighley, Bullets or Ballots (Votos o balas, 1936).

·         The Petrified Forest (El bosque petrificado, 1936)

·         Archie Mayo, Dead End (Punto muerto, 1937)

·         Edward Ludwig, The Last Gangster (El último bandido, 1937)

·         Michael Curtiz, Angels With Dirty Faces Angels With Dirty Faces (Ángeles con caras sucias, 1938)

·         Raoul Walsh, The Roaring Twenties (Héroes olvidados, 1939)

Cine de terror

El cine de terror es un género cinematografico que se caracteriza por su capacidad de provocar en el espectador sentimientos de miedo, disgusto, repugnancia u horror. Sus argumentos principalmente utiliza la intrusión de una fuerza sobre natural o criminal de carácter maligno en un ámbito natural y normal.

 Se podría decir que el cine de terror nació con el mismo cine pues existe desde los hermanos Lumiere en 1896 cuando grabaron y mostraron la famosa llegada del tren,dado que en esa época la concepción de imágenes en movimiento era demasiado rara, no se encontraba en imaginario colectivo, como era de suponerse el efecto que este tubo fue de pánico ya que las personas pensaron que el tren se les abalanzaba encima, por lo que huyeron despavoridas.  Sin embargo la primera película de terror fue realizada en 1910 por J. searle Dawley, que fue la primera adaptación Frankenstein.

Sin embargo el terror como lo conoceríamos hay en día no hace su aparición si no hasta los años 30 con lo que se llamaría cine de monstruos que no era otra cosa mas que la utilización de bestiarios para generar el sentimiento propio de este genero. Es así como aparece Dracula, del director Tod browing y que dio inicioa todas esta serios de mostruos, vampiros, zombis, hombres lobo, etc. Luego de Dracula se produjeron obras maestras del género como El doctor Frankenstein (de James Whale, 1931), La parada de los monstruos (de Tod Browning, 1932) y la muy alabada King Kong (de Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack, 1933).

Las películas de terror estéticamente crean ambientes totalmente lúgubres, ensombrecidos donde  el ente sobrenatural o el criminal tienen todo a su favor para cometer sus actos de barbarie. La noche, la oscuridad, lo los sitios estrechos, como los callejones, pero incluso para generar mayor tención y temor en el espectador se usan lugares comunes donde una persona normal se sentiría a gusto y protegida, esto actúa directamente en la psiquis del espectador haciéndolo sentir vulnerable igual que la persona que esta siendo atacada.

Los personajes que se muestran son obviamente el monstruo, el ser maligno, vil al que todos le temen, el héroe normalmente una persona fuerte capaz que después de muchos vaivenes y enfrentamientos lo derrota, las victimas generalmente mujeres, niños, ancianos u hombres cobardes. Y no hay que olvidarse del personaje incrédulo que generalmente viene a ser una de las primeras victimas.

Y los tiempos están dados en el surgimiento de monstruo o el criminal con el primer asesinato o el primer avistamiento, época de terror, de derramamiento de sangre, llegada del héroe, y el enfrentamiento final.

 Filmografía:

·         Rouben Mamoulian, (El hombre y el monstruo 1931)

·         Tod Browning, (La parada de los monstruos 1932)

·         Carl Theodor Dreyer, (La bruja vampiro 1932)

·         Fritz Lang, (El testamento del doctor Mabuse 1933)

·         James Whale, (La novia de Frankenstein)

·         Karl Freund, (La momia 1932)

Análisis del film “Dracula”

Cuando se habla del cine de terror indudablemente hacemos referencia a Drácula una de las películas este genero más famosas de toda la historia. Pues como olvidar a aquel monstruo de figura humana, largos colmillo, capa satinada y de insaciable sed. La primera versión que se grabo de este clasico  fue hecha  por el director Tod Browning en 1931.

La historia es la adaptación para el cine del libro del mismo nombre escrito por Bram Stoker, en la cual se narra la llegada a pensilvania de un joven que desea vender una propiedad  en Londres a una persona llamada conde Dracula. A pesar de recibir varias sugerencias de que no valla a aquel lugar y de oír historias de vampiros Renfield, incrédulo pensado que estas son solo supersticiones parte al castillo. Allí lo recibe el conde y luego de la cena este lo hipnotiza y lo convierte en su esclavo y viaja junto con el de regreso a Londres…

Para poder analizar en cierta forma la película, su forma de representación, y darle un sentido al contenido de la misma debemos primero saber quien es el director de este film. Charles Albert Browning, (1882 -1962) más conocido como Tod Browning, fue un director y actor estadounidense que se desarrolló artísticamente tanto en  los tiempos del cien mudo como en la revolución de cine sonoro. Fue conocido mas por sus trabajos en películas de terror que en cualquier otro genero Browning realizó y dirigió aproximadamente 60 obras de distintos géneros.

Desde pequeñosintio el gusto por el arte, realizaba obras de teatro en el jardín trasero de su casa. Le encantaba el circo y la vida de farándula. A la edad de 16 años decide marcharse de su casa para convertirse en un miembro de los espectáculos de variedades. Mas tarde, Comenzó a actuar con Murray en comedias de corta duración para Griffith y la compañía Biograph. Desde allí hasta 1915 que sufre un accidente automovilístico que le deja considerables secuelas empieza a trabajar por si mismo, primero escribiendo guiones mientras se recuperaba de sus traumatismos y después debuta como director. De esta manera consigue un contrato con la Metro Golden Mayer con quienes realiza la mayor parte de sus proyectos, sinembar su película mas reconocida será realizada bajo la producción de Universal.

Con Dracula no solo consigue un gran éxito, sino que abre una nueva mirada el cine de terror, pues a partir de ella se comienza a crear los estereotipos y las formulas a seguir para este genero,a partir de ella y de sus sucesoras se empieza a crear el cine de terror que conocemos en la actualidad.  De hecho después de ella o más bien con ella nace lo  que se llamaría “películas de monstruos”. A pesar de su éxito que se debe mas a la novedad del tema, que en si a ella misma pues posee cierta lentitud en los diálogos, se dice incluso que es una mala adaptación y que su puesta en escena es torpe, sin contar con la sobre actuación de algunos personajes pues llegaba a se casi teatral.

Podemos ver en ella ciertas cualidades interesantes para su época, donde se pone en juego la creatividad y la pericia del director, como lo son: la consecución de una increíble atmósfera evidenciada en su mayoría cuando la acción transcurre en Transilvania. En el entra a jugar la fotografía que tiene la película, como los decorados de las locaciones de la misma, como las ideas estilizadas del gótico y del expresionismo alemán que utilizo Browning para su creación.

La escena que se va analizar es la primer parte de la historia la cual transcurre en Transilvania, que inicia con un plano general de descripción del lugar y la entrada a escena de una diligencia  en donde se encuentra uno de los personajes Renfield, el cual es un agente inmobiliario londinense. Después de esto nos muestran el interior de la carrosa donde en plano americano se pretende mostrar todos lo personaje de una manera equitativa, luego de esto cuando Renfield hace un comentario sobre lo que una joven lee se empiezan a hace planos mas cortos de los personajes mostrando sus diferentes reacciones, esto con el fin de darle mayor impresión sentimental al momento e imprimirle mayor misterio.

Luego de esto nos siguen contextualizando y adentrando mas en el mundo de la película por medio de planos generales que nos muestran el interior de una casa y posteriormente la entrada al pueblo. Es entonces cuando  la diligencia entra y se detiene que empezamos a sentir el ambiente sombrío, oculto, misterioso y encerrado que nos hace pensar en las puestas en escena propias del expresionismo alemán.

 Luego de que los personaje se bajan del carruaje  y Renfield le dice al conductor que el sigue hasta un paso mas adelante empieza un juego de planos medios y cortos donde se ve a los lugareños mas específicamente al dueño de la posada y a su mujer intentando prevenir a el joven negociante. Cada una de las expresiones  aumente la tensión, el temor y la incredulidad del personaje. Un plano interesante que nos muestra muchas cosa es la toma de la caída del sol, que nos avecina que algo va a pasar, pasamos del día, la claridad, lo visible a la oscuridad, lo oculto, lo invisible casi que nos hace pensar  el paso de lo bueno a lo malo de la luz a las tinieblas.

Vemos ciertas representaciones de la estética gótica en cuanto al crucifijo se refiere y mas adelante en la vestimenta del conde, y las de sus mujeres. Como también el castillo en su estado decadente y ruin en cuanto a la arquitectura gótica se presenta en las ventanas del castillo y en sus arcos. El habiente del castillo, aun que baldío, llega a ser asfixiante, logra deformar en cierta forma a realidad que se muestra y la mezcla con los sentimientos del personaje expresados en su corporalidad, llegando de esta forma a afectar directamente la psiquis del publico, dándole la sensación de mal, de la fatalidad, de una vida regida por el destino.

Otra cosa importante que tiene la puesta en escena además del maquillaje, un poco oscuro, que desfigura en cierta forma los rostros de los personajes como se hacia en el expresionismo alemán, son los ojos brillante de Dracula, efecto que marca y llena de temor a la audiencia ya que su mirada es aterradora y penetrante y esos ojos además de todo parece que penetran en el interior de las personas.  En cuanto al vestuario vemos un contraste entre las novias de Dracula y el pues ella visten de blanco, y el es elegante y esta casi completamente vestido de negro. Este vestuario de toda la escena nos ubica inmediatamente en el tiempo y en espacio de los sucesos.

El clima  es paciente, calmado, como un día normal, incluso nos podemos dar cuenta que era un día soleado que esta llegando a su fin. Sin embargo cuando cae la noche con ella llega el frio, la oscuridad, lo tenebroso el ambiente dark que nos pretende mostrar. Podemos ver que la película como parte de la puesta en escena de la decoración y  de la ambientación se utiliza animales, para dar mayor oscuridad al camino y a la noche los caballos son negros. Cuando Dracula y sus novia esta despertando vemos bichos rastreros y roedores que le aporta más la sensación de antro y mazmorra al sitio.  Cuando Renfield entra se ven unos armadillos pasar de una parta a la otra. A demás de ello algunos aullidos de lobos terminan de dar la ambientación al lugar y de confirmar y ratificar el peligro y la incertidumbre en que se encuentra este hombre.

Webgrafia:

·         Youtube, “dracula 1931 (part 1/8)”, [en línea:], disponible en:    http://www.youtube.com/watch?v=i9qtivRryDM, recuperado: 03-04-10

·         Media cine, “Historia del cine”, [en línea:], disponible en:      http://recursos.cnice.mec.es/media/cine/bloque4/index.html, recuperado: 03-04-10

·         Estrenos del cine, “edad dorada de Hollywood”, [en línea:], disponible en:      http://estrenosdecineonline.com/laedaddoradadehollywood.html, recuperado: 04-04-10

·         Hollywood clásico, “Cine de Gangsters”, [en línea:], disponible en:      http://www.hollywoodclasico.com/index.php?id=83, recuperado: 04-04-10

·         Mailxmail, “cine de terror”, [en línea:], disponible en:      http://www.mailxmail.com/curso-generos-cinematograficos/cine-terror, recuperado: 07-04-10

·         Cine y letras, “HISTORIA DEL CINE V. LOS AÑOS 30,La llegada del cine sonoro”, [en línea:], disponible en:   http://www.guzmanurrero.es/index.php/Cine/Historia-del-Cine-V.-Los-anos-30.html, recuperado: 07-04-10

Biografía:

·         MARTIN, Marcel, La estética de la expresión cinematográfica, ediciones Rialp, S.A., Madrid.

·         SERRALLER, José Antonio, Panorama Histórico Del Cine, Editorial Fundamentos, Madrid.

·         Bordweel D, Staiger J, Thompson K, El Cine Clásico de Hollywood, Ediciones Paidós Ibérica, S. A, Londres.

·         Coursodon, J. (1996), Historia general del cine, “la evolución de los géneros”, editorial cátedra, Madrid.

·         Mafrud, L. “como hace un análisis de un film”

·         “los niveles de la representación (el análisis de la representación)

·         “elementos del lenguaje cinematográfico, (análisis psyco)”

La madre (Mother), 1926, Vsevolo Pudovkin

El cine soviético, origina en el mundo una revolución expresiva tanto en la teoría y  como en la práctica cinematográfica, enfocándose sobre todo en el  realismo de sus imágenes, sobretodo en la significación que estas tiene en el público, como lo es el caso del efecto kuleshov, además del hacer mucho con poco.  Y  sobretodo lo anterior esta el magistral empleo del montaje, este cine supone una nueva estética.  La escuela soviética incorpora además el drama coral de las multitudes.

Vsevolod Pudovkin fue un actor y director del cine soviético, comenzó su carrera en la cinematografía luego de ver el filme de Griffith  “Intolerancia”, el cual cambia su manera de ver el cine, le hace concebirlo como un medio de valor social y artístico sin precedente alguno. Para ese momento decide unirse a la escuela de cine de Moscú, donde se hace alumno de kuleshov y empieza a tomar idea de la importancia de la imagen y el montaje. Pues por eso tiempos no había presupuesto para hacer cine por lo cual nace la idea de hacer más con menos o lo que bien se llama “films sin película” que no es más que la yuxtaposición de imágenes en un montaje perfecto, que infundía  una gran fuerza emocional.

Es así como Pudovkin empieza a madurar y a perfeccionar estas ideas hacer de la imagen, la emocionalidad y el montaje. Llegando al punto de convertirse en uno de los mayores exponentes de la historia cinematográfica, gracias a su capacidad de transmitir emociones por medio de la yuxtaposición de imágenes y al uso vanguardista de las posibilidades del montaje.

Para Pudovkin cada escena representaba  lo que para el poeta era  la palabra. El veía una película completa, terminada, como una obra de arte, por ello no consideraba correcta la frase de “rodar una película”, pues las películas son construidas a través de lo que el llama “frases de montaje”, pues cada escena no es mas que la materia prima para darle vida a una creación fílmica, dada por la composición y el montaje. Esto es lo que se entiende por montaje constructivista, el cual es su principal teoría. Pudovkin decía que el montaje es ese momento creativo por el cual de una fotografía inanimada brota a la vida de forma cinematográfica.

Para poder entender como el montaje crea realidades podemos ver como en la película El fin de San Petersburgo, Pudovkin intenta mostrar en la parte dedicada a la guerra una explosión. Para realizar  esta  explosión con absoluta autenticidad, debió usar elementos totalmente distintos a un explosivo  de verdad  podríamos decir en cierta forma que pudo utilizar  un lanzallamas que expulsaba una abundante cantidad de humo o que apara dar la sensación de explosión uso relámpagos, esto es similar a los ejemplos que nos presenta en su texto de “El director de películas”. Como era el caso de la caída de una persona de una edificio de 30 metros que resulta siendo en la realidad una caída de tres metro  con maya, o la del accidente con los distintos planos e imágenes que dan la sensación de realidad aunque sean elementos totalmente diferentes a la realidad. Con estos ejemplos se demuestra que el montaje es el creador de la realidad cinematográfica y que la naturaleza no ofrece más que materia prima para su elaboración.

Tal concepción  de que el montaje crea realidades también se aplica al actor, por ejemplo: en la película La madre, Pudovkin intenta mostrar a la audiencia el aspecto psicológico del personaje por medio del montaje. En la parte en que el hijo está en la prisión y se entera de que sus amigos quieren liberarlo secretamente, por medio de una marcha. Se puede pensar que solo el rostro de alegría de personaje no es suficiente para representar el estado de emoción del mismo por lo cual, Pudovkin decide mostrar las manos del actor y la parte inferior de la cara con una amplia sonrisa en planos cortos, para intensificar la emoción y la acción. Y además las complementa  con otras tomas completamente diferente que terminan de soportar la idea como lo es el sol reflejándose en las la guas primaverales, patos aleteando en el corral y un  niño sonriendo. De esta forma creyó Pudovkin que podía expresar la alegría del prisionero.

De igual forma lo describe en su libro “El director de películas”, haciendo referencia a la forma como Griffith hace montaje en su película “Intolerancia”, cuando la mujer escucha el veredicto de su marido y muestran su rostro con una sonrisa forzada y lagrimas en sus ojos mientras que sus manos clavan las uñas en su piel con un movimiento compulsivo, es como el dice la elección precisa, el deshacerse de elementos innecesarios que nos dan la realidad del film.

Pudovkin cree fundamental en el uso del detalle para crear el montaje, rasgo que lo diferencia en gran medida de Griffith. Pues en lugar de mostrar la escena en plano general y acentuar la intensidad dramática por medio de planos cercanos, Pudovkin dice que esa intensidad se puede dar por medio de detalles significativos. Para este momento aparece en escena el término de “guion de hierro”, que si lo ponemos en términos actuales lo podríamos comparar con el story-boart, este termino nace cuando Pudovkin piensa que el montaje de una producción debe ser creado a priori, aunque desde un punto de vista físico se haga después de grabad la misma.

Aun que nos hemos podido dar cuenta que tanto para la cinematografía soviética como para Pudovkin, el montaje es la base estética del film. En realidad es preciso entender que es el concepto de montaje, el cual va mas allá de entenderlo como la simple operación de unir varios trozos de película según un orden cronológico, o que este sea lento y rápido.  Olvidando que el ritmo, está en realidad muy lejos de agotar todas las posibilidades del montaje. Para Pudovkin el montaje es la representación visual de emociones a través de la unión de planos, para la construcción de metáforas visuales.

En la primera escena de la película “la madre” podemos ver tras una sucesión de planos medios de los personajes y primeros de los objetos, las necesidades y las intenciones del personaje del padre. Tras esto cuando el se acerca a bajar el reloj de la pared y que su esposa lo coge vemos un sucesión de imágenes yuxtapuestas que terminan con la caída del personaje junto con el reloj y como esto se termina con el detalle de una de las partes del reloj girando en el piso sola, dándole ese ritmo y sensación dramática a la escena.

Esa sensación de intensificación dramática se da tanto en momentos rápidos de yuxtaposición de planos y de imágenes, como cuando las imágenes son lentas y se aplica lo anteriormente dicho del detalle como eje de intensidad dramática. Esto se puede evidenciar cuando el hijo  va a defender a su madre, de la ira del padre por la ruptura del reloj y este es empujado y encuentra un martillo con el que amenaza al padre. Todos los planos de esta escena tienen similar duración, pero lo que acrecienta el dramatismo del momento son los detalles como el martillo, las miradas de los personajes y su gesticulación.

Otra escena interesante donde se pone en juego el detalle y las imágenes es cuando la madre esta sentada al lado de su difunto esposo y una de las señoras que la acompaña en el duelo le dice que cuide a su hijo que eso es cosa suya y que el será la perdición de otros y de si mismo y de repente la madre se queda mirando fijamente el suelo una de las tablas la cual en su imaginario se levanta ve el paquete que su hijo escondió dentro y luego ve las armas que este contiene y posterior mente se devuelve la acción. Solo con estas imágenes  nos demuestran la tención del ambiente y el estado anímico en el que se encuentra la madre, al conocer el culpable de la muerte de su marido y lo que lo mato.

Otra forma de mostrar la realidad del montaje es cuando se muestran las acciones de una escena por medio de partes del cuerpo como lo es cuando la madre entrega unos papeles que oculta debajo de una tabla a un hombre, esta información la sugerimos al ver el tipo de vestimenta de las personas pues la mayor parte del tiempo lo que vemos son sus zapatos y sus desplazamientos. Al igual que la imágenes siguientes de unas manos que acarician otras que están recogidas y vemos que estas ultimas pertenecen al la madre y nos muestran con maestría el sentimiento de opresión, tristeza y culpabilidad que esta tiene en el momento y como debe ser consolada por otros.

Una cosa interesante que tiene este film y que se puede decir que es muy novedoso para la época es que intenta dar una forma de mirada de una personaje, en otras palabra, intenta crear un plano subjetivo de las cosas esto se da a través de toda la película y en diferentes personajes, no solamente los principales sino que muchas veces en personajes que solo vemos una ves o que a veces ni percibimos que están allí, esto nos intenta compenetrar mas con la película además de intentar dar unos un punto de vista subjetivo de lo que sucede sin ser exactamente individualista y realmente subjetivos porque aun que se intente dar un punto de vista subjetivo, no se entra a calificar y ni a valorar nada.

Por ultimo podemos ver en la escena final de la película cuando los soldados zaristas abren fuego a la multitud como todos los elementos del montaje que utiliza Pudovkin  entran en escena. Podemos ver una variedad interesante  de planos e incluso de una que otra variación de ángulos, cambios de ritmo de rápidos a lentos, una singular cantidad de detalles tanto en los gesto faciales de las personas que están siendo acecinadas como el su lenguaje corporal completo como sus manos, sus pies, etc. También vemos como se intenta hacer un reflejo del disparo en la realidad con cierto aclaramiento de la pantalla cada ves que se sugiere que ha ocurrido un disparo. Esto último también posee algunos planos “subjetivo” donde se muestra a la madre firme y con la bandera, dispuesta a enfrentarse, mientras que en planos generales se muestra a la muchedumbre corriendo y a los soldados montando en sus caballos.

Un último detalle es el de la multitud de personas o por lo menos la congregación de varias personas para un hecho, que normalmente no se ve en otras producciones o por lo menos no de esta magnitud, pues esta conglomeración de gente dentro de la escena, es propio del cine soviético y su ideal de sociedad, conjunto y pueblo.

Bibliografía:

·         Pudovkin, v. “El director de películas”

·         Germaine A. “teoría del cine, Las estéticas. Las trabas. La Cinografía integral”, unidad 1, texto 1

Webgrafia:

·         Mubees, “La madre de Pudovkin”, [ en línea:], disponible en :   http://www.mubees.com/movies/5600/la-madre-mother, recuperado: 2010-02-27

·         Espacio cine, “Vsevolo Pudovkin”, [ en línea:], disponible en :   http://ecine.blogcindario.com/2008/12/00053-vsevolod-pudovkin.html, recuperado: 2010-02-27

·         El criticon, “La madre (1926) de Vsevolo Pudovkin”, [ en línea:], disponible en :   http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article1714.html?topic=4, recuperado: 2010-02-28

·         Duiops,net, “Cine soviético”, en línea:], disponible en :   http://www.duiops.net/cine/cine-sovietico.html, recuperado: 2010-02-28

Guerra de o por recursos

 Actualmente, los enfrentamientos políticos de la Guerra Fría han sido reemplazados por la inmensa y caótica lucha por las materias esenciales, como los combustibles, la madera, los minerales y el agua potable. También hemos podido notar la influencia del petróleo en los asuntos internacionales a partir de la Segunda Guerra Mundial y revela las doctrinas Truman, Eisenhower, Nixon y Bush en la materia.

Guerras por el petróleo, guerras por el agua, guerras por tierras, guerras atmosféricas: esta es la cara verdadera de la globalización económica, cuyo apetito de recursos naturales supera los límites de la sostenibilidad y la justicia. Donde hay petróleo hay conflictos. No importa en qué medida la apariencia de una guerra de culturas aparezca vinculada a las invasiones a Afganistán e Iraq (y a la amenaza de una acción similar en Irán), porque la realidad era y es que se trata de guerras por el crudo.

A partir de la invasión a Irak, el gobierno norteamericano ya decidió cuál va a ser su fuente energética que ponga en marcha su creciente industria en el próximo medio siglo: el petróleo. La constante inestabilidad de la región por acción de la resistencia irakí, el enfrentamiento interno entre sunnitas y chiítas, la reanudación de la actividad nuclear por parte de Irán, el conflicto palestino israelí, la presencia de grupos extremistas musulmanes y la actitud de los desafiantes gobiernos de Siria y Líbano precipitaron a Washington a buscar su fuentes energéticas en el Mar Caspio y en Asia Central.

La primera consecuencia de un ataque estadounidense contra Irak en el mercado petrolero será la de un incremento de los precios. La cotización se dispararía. Tras una guerra corta y un cambio de régimen en Bagdad (Irak), el mercado petrolero será básicamente “más predecible, estable y seguro, y los precios serán más bajos”.  Y todo por la importancia estratégica que tiene el petróleo para los EE.UU., los mayores importadores de crudo del mundo, y el hecho de que Irak tenga las segundas mayores reservas probadas del mundo, 112 mil millones de barriles.

La invasión y ocupación de Iraq por las tropas de EE.UU., apoyadas por el Reino Unido, España y una coalición de países aliados provocó en ese país árabe una tragedia humana sin precedentes. Con el supuesto objetivo de derrocar al gobierno de Saddam Hussain e instaurar la democracia, y asegurarse el control geopolítico de la zona y sus reservas energéticas fue desatada esta guerra. Más de un millón de iraquíes han muerto a causa de la guerra, alrededor de cinco millones están desplazados de sus hogares y muchas ciudades de ese país del Medio Oriente terminaron en las ruinas.

También el agua se está convirtiendo en una fuente de guerras en la medida en que es privatizada y se ha convertido en mercancía. Grandes represas desvían el agua de los sistemas naturales de drenaje de los ríos. Alterar el flujo de un río también modifica la distribución del agua, especialmente si eso implica las transferencias de agua entre varias cuencas. Estos cambios provocan a menudo disputas entre estados o provincias que rápidamente degeneran en conflictos entre gobiernos centrales y naciones.

Cada río en la India es motivo de importantes e insolubles problemas sobre la propiedad del agua y su distribución. En el continente americano, el conflicto entre Estados Unidos y México por el agua del río Colorado se ha intensificado en años recientes. Las aguas de los ríos Tigris y Eufrates, que han sostenido a la agricultura durante miles de años en Turquía, Siria e Iraq, han sido la causa de varios importantes choques entre esos tres países. Ambos ríos nacen en Turquía, cuya posición oficial es El agua es tan nuestra como el petróleo de Iraq es de Iraq".

La guerra entre israelíes y palestinos es en cierta medida una guerra por el agua. El motivo de contienda es el río Jordán, usado por Israel, Jordania, Siria, Líbano y Cisjordania. La agricultura a escala industrial de Israel requiere agua de ese río así como de las aguas subterráneas de Cisjordania. En lugar de reconocer que la pisada ecológica de la globalización está aplastando a tierras y a pueblos, la nueva élite desarraigada cultural e intelectualmente sostiene que hay exceso de población. Y se llega a hablar de los recursos naturales como una desventaja comparativa.

Sin embargo, es precisamente la liberalización del comercio la que está permitiendo a las corporaciones invadir el espacio ecológico de las comunidades locales, lo que desencadena conflictos. Para las comunidades locales los recursos naturales como la tierra y el agua tienen claramente valor. Negar valor a las fuentes de esos recursos es negar derechos fundamentales y los usos prioritarios de las tierras y el agua.

El periodico

El periódico, tal como hoy lo conocemos, nació en Inglaterra, en el siglo XVIII, fue el Daily Courrant (1702). Con anterioridad a esta fecha, existieron ciertas formas de comunicación social, por ejemplo  en la Roma antigua existían distintos medios de información pública como: las Actas públicas o Actas del pueblo. Hacia 1715 había en Inglaterra una gran actividad editorial y aparece un gran número de publicaciones de periodicidad variable. Esto debido a que en esta época el 80 % de la población era analfabeta, los lectores de "papeles periódicos" eran una minoría ilustrada. La distribución se hacía por medio de pregoneros. Los centros de circulación de periódicos fueron los cafés, donde la gente se reunía a leerlos y comentar las noticias.

Tras la Revolución Francesa se produjo en toda Europa se impuso de nuevo el absolutismo por lo que los periódicos liberales tuvieron que luchar contra él. Estas publicaciones, de clara tendencia política, defendieron la libertad y ejercieron una importante labor en las revoluciones liberales de 1830 y 1848. Durante el S.XIX se pueden diferenciar dos bloques de medios informativos: La prensa política: caracterizada por la utilización de los medios como vehículo de transmisión de una ideología. La prensa informativa: que evolucionará hacia la prensa de masas del S.XX y cuyo objetivo inmediato es el beneficio económico. y a mediados del S.XIX surgieron las agencias de noticias y las de publicidad.

El desarrollo del ferrocarril favoreció la rápida difusión de los periódicos; Se impuso así un "nuevo periodismo", en el que los mensajes habían de ser claros, concisos y objetivos. En los últimos años del siglo XIX y primeros del XX, surge en EE.UU y algunos países de Europa una nueva generación de periódicos el llamado new journalisme, cuyo ejemplo paradigmático fue The World, de Pulitzer. Estos son los primeros periódicos de masas, los cuales aumentan sus tiradas, incluyen muchas páginas de publicidad, se establecen en grandes edificios y obtienen grandes beneficios; en este momento los periódico se convierten en bienes de uso y consumo. Se venden a bajo precio y ofrecen a sus lectores un producto atractivo y bien acabado. Su presencia reiterada en la sociedad los convierte en instrumentos de gran influencia.

En este contexto aparece la prensa amarilla, cuyo máximo representante fue Hearst, con su diario The New York Journal. Los grandes beneficios económicos que obtuvieron estos primeros periódicos de masas los convirtieron en eje de poderosos monopolios informativos (Pulitzer, Hearst, RCA, CBS).

 Durante la Primera Guerra Mundial los periodistas colaboraron con el ejército y difundieron entre la población falsas historias heroicas, con el fin de mantener el entusiasmo de la retaguardia y fomentar el odio entre los contrincantes. La población europea descubrió el engaño al terminar la guerra y los lectores, conscientes de que habían sido manipulados, perdieron la confianza en los medios escritos. Durante la Segunda Guerra Mundial también se utilizaron los medios de información- prensa y radio- con fines propagandísticos: Hitler recurrió a la llamada propaganda mecanicista, basada en la idea de que ante un determinado estímulo, las poblaciones iban a tener una misma respuesta. Tras la segunda guerra mundial los Estados vieron la necesidad de intervenir en el sector informativo, y que los medios debían cumplir una función social de servicio público. 

Sociedad de masas, cultura de masas

La aparición de las masas urbanas como mecanismo capitalista de la vida social tuvo consecuencias irreversibles. El desarrollo de la comunicación y de la transmisión de información en masas son un claro ejemplo de la mismas, desde que se inventaron la imprenta hacia 1450, se  puso al alcance de cualquiera la edición de miles de ejemplares de libros por lo cual no es de sorprender que la tecnología del siglo XX halla multiplicado y perfeccionado los canales de transmisión de noticias e ideas.

 La multiplicación de los canales de información se produce con mayor trascendencia después de  la segunda guerra mundial con la incursión de los medios de comunicación de masas: radio y televisión. Así,  aparece un nuevo modo de entender la civilización: la sociedad del bienestar. La información se ha convertido, y ha adquirido  un valor en sí misma. Lo anterior  tiene una influencia decisiva en las formas de ocupación del ocio de la gente, que producen un cambio radical en la educación.

La mayor parte de las ideas y los mensajes se reciben a través de los medios de comunicación de masas. Tal vez una de las principales fuentes de difusión del “American Way of Life” para consumo interno y externo, han sido estos. La visión estereotipada del Hollywood de los años cincuenta del “sueño americano” era la de una familia blanca, compuesta de padre, madre y dos hijos.

El problema que se plantea es el de la selección de la información, de la filtración de la misma que aparece en bruto y hay que transformarla. El bombardeo masivo de información puede convertirse en desinformación o en esclavización los datos y  más propiamente, de la deformación. La sociedad de consumo de masas es producto del capitalismo industrial y de servicios que trata de hacer llegar sus productos a una parte de la población lo más amplia posible. Las nuevas tecnologías permiten producir bienes cada vez más baratos y en mayor cantidad.

Ahora bien, otro fenómeno que aporta en gran cantidad al problema de las sociedades masificadas es la globalización. La cual la podemos entender de dos formas: Una se refiere al carácter financiero que ha tenido lugar en el mundo al calor de dos fenómenos: los avances tecnológicos y la apertura de los mercados de capitalistas; La otra, se trata de las transacciones de bienes y servicios que se realizan a nivel mundial.

El crecimiento exponencial del intercambio de mercancías, ideas, instituciones y personas que vemos hoy en día es parte de una tendencia histórica duradera. Lo que da una nueva dimensión a este fenómeno es la transmisión virtual instantánea de todo tipo de mensaje hacia y desde cualquier lugar mediante redes privadas.  Gracias a  esto  desaparecen las limitaciones de tiempo y espacio, y las fronteras, e incluso la soberanía, dejan de ser un obstáculo para la certificación del "libre flujo" y  el "libre mercado".

Actualmente podemos ver como el televisor ha sido adoptado por la familia como un miembro más, el computador como la” nana virtual”, los periódicos y la radio como los visitantes frecuentes, los cuales son consumidos por la sociedades de acuerdo a sus necesidades ideológicas, logrando grabar en nosotros con tanto impacto que acabamos por aceptar involuntariamente algo de lo que no estamos seguros. Así, pues podemos decir que los medios nos muestran  la derrota de nuestro sistema cultural.

Los medios de comunicación de masas son forjadores de mentalidades colectivas y la tendencia a la homogeneización cultural se da gracias al proceso de globalización en el que vivimos. Nuevas herramientas como internet nos ofrecen oportunidades de construcción de alternativas al pensamiento único y de inserción de las culturas locales en la aldea global.

El principio que impera en este concepto es el de un mundo interrelación, con estrechez de vínculos económicos, políticos y sociales, todo esto producto de las tecnologías en la información y la comunicación (TIC), particularmente Internet, como disminuidoras de las distancias y de las incomprensiones entre las personas y como promotoras de la emergencia de una conciencia global a escala planetaria, al menos en la teoría.  Y a mi parecer se trata de un concepto filosófico y utópico más que real.